En el otoño de 1945, dos artistas, no jóvenes, pero tampoco de mediana edad, se mudaron de Nueva York a un pueblo llamado Springs, cerca de East Hampton en Long Island. Estos recién casados ​​no tenían dinero. Pasaría un tiempo antes de que pudieran hacer que la pequeña granja de tablillas que sería su nuevo hogar fuera menos helada en invierno, y mucho menos instalar un baño interior. Pero este lugar aislado, con sus destartaladas dependencias y su vista de Accabonac Creek, era para ellos un poco de cielo, al menos al principio. Juntos, cocinaron y cultivaron un huerto. Juntos, fueron a cavar en busca de almejas, viajando a la playa en sus bicicletas (no tenían un automóvil). Sobre todo, trabajaban: él en su granero, ella en una habitación de arriba. La vida era, para ambos, principalmente sobre pintura. Su lealtad a ella era feroz: tan intensa como su lealtad entre sí, de la que nunca podría separarse por completo.

Uno de estos artistas, Jackson Pollock , algún día llegaría a ser muy famoso: la figura central y dura del expresionismo abstracto estadounidense, conocido en todo el mundo por sus pinturas de goteo, hechas al permitir que la pintura caiga de su pincel o una lata sobre un lienzo tendido en el piso y, gracias a esto, la casa es ahora un hito histórico de los Estados Unidos, abierto al público. Es un lugar intensamente especial. Sé que soy afortunado: cuando visito en una fresca y brillante mañana azul de abril, su directora, Helen Harrison, se ha abierto especialmente para mí. Pero también estoy seguro de que incluso si hubiera una multitud aquí, todavía lanzaría un hechizo. El ambiente es muy íntimo. Casi esperas oler freír cebollas o escuchar el crujido difuso de una aguja golpeando un disco de jazz. En la cocina, un par de guantes grasientos para horno todavía cuelgan de un gancho. En la estufa se encuentra un hervidor de agua, esperando ser hervido. En la parte superior del refrigerador están las ollas de porcelana, decoradas con molinos de viento, en las cuales la pareja guardaba su azúcar y su arroz, su pimienta y sus clavos. La gente ha hecho muchas tendencias machistas de Pollock a lo largo de los años, pero él era un gran panadero; si quisiera comer una tarta de manzana, se subiría y haría una.

 Lee Krasner, quien murió en 1984, en el trabajo en su estudio en los años 60, pintando Retrato en verde. Fotografía: Mark Patiky
Lee Krasner, quien murió en 1984, en el trabajo en su estudio en los años 60, pintando Retrato en verde. Fotografía: Mark Patiky

Pero no estoy interesado en Pollock hoy. Estoy buscando rastros de su esposa extraordinaria y prodigiosamente talentosa, Lee Krasner, una gran retrospectiva de cuyo trabajo se abrirá en la Barbican Art Gallery, Londres, a finales de este mes . La primera exposición de Krasner a esta escala en Europa desde la década de 1960, presentará una rara oportunidad para aquellos interesados ​​en su trabajo en particular, y en el expresionismo abstracto estadounidense en general. En el Reino Unido solo hay un Krasner en una colección pública ( Gothic Landscape , de 196 1, en poder de la Tate ); The Barbican mostrará casi 100 obras, muchas de ellas a la vista en Gran Bretaña por primera vez, y una que nunca antes se había visto en Europa (el Combate de 4m de largo , de 196 5 , un lienzo que es poco probable que lo consiga aquí nuevamente desde su hogar en la Galería Nacional de Victoria, Melbourne). También se mostrarán imágenes de un caché de fotografías de la artista en el trabajo y en el juego recientemente descubiertas, tomadas por su amigo cercano, el diseñador Ray Eames (se conocieron como estudiantes de arte), imágenes que iluminan su práctica en una variedad de formas inesperadas. . “La suya es una gran historia de tenacidad”, dice Eleanor Nairne, la curadora del espectáculo de Barbican. Eso es verdad. Pero si Krasner se ve obstinada en estas fotografías, también se ve juguetona: una artista de aspecto poco probable, de alguna manera, pinta salvajemente con sus faldas y sus zapatillas de ballet.

Es probable que la encuesta de Nairne sobre la carrera de 50 años de Krasner sea tanto fascinante como saludable: la primera porque el trabajo, a menudo pionero y siempre muy singular, es muy bueno (como William Lieberman, curador del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York). , dicho después de su muerte, Krasner “pintó en el lenguaje moderno cuando Jackson todavía estaba en el estilo regional …”); esto último porque su historia es una lección objetiva en la forma en que las mujeres a menudo han sido eliminadas de la historia del arte moderno. Krasner tenía 75 años antes de que finalmente se le acercara algo: su primera retrospectiva estadounidense, organizada en el Museo de Bellas Artes de Houston en 1983, e incluso ahora sigue siendo poco conocida en comparación con su esposo y contemporáneos como Willem de Kooning y Mark Rothko. Cuando le dije a mis amigos que estaba escribiendo sobre ella, más de uno la confundió con Lee Strasberg, el padre del método de actuación.

La casa de Lee Krasner y Jackson Pollock en Springs, Long Island.
La casa de Lee Krasner y Jackson Pollock en Springs, Long Island. Fotografía: Rachel Cooke

Pollock y Krasner vinieron a Springs con la esperanza de que pagara por su bebida: Lee, por estos motivos, finalmente convenció a su galerista, Peggy Guggenheim, que era propietaria de Pollock y le disgustó su nueva esposa, para prestarles $ 2,000 como un anticipo para comprar la casa, y por un tiempo lo hizo. Pero esta sobriedad no duraría, no podría durar. Pollock murió en un accidente automovilístico, después de tomar el volante mientras estaba borracho, en 1956, a la edad de 44 años. Aunque él y Krasner estaban algo distanciados (había tenido una aventura con una pintora más joven, Ruth Kligman, quien sobrevivió al accidente que mató al artista y a su otro pasajero, Edith Metzger), ella fue abrumada por el dolor; hay quienes creen que ella nunca se recuperó por completo del shock. Pero ella no se fue de Long Island. Krasner vivió y trabajó en la casa de Springs, dividiendo su tiempo entre él y un pequeño departamento en Nueva York, hasta su muerte en 1984, y en esas tres décadas, la hizo suya.

Arriba, en el dormitorio que una vez compartieron, de repente aparece ante ti como una mujer sola en lugar de la mitad de una pareja. Este es su reino, y el de ella solamente, colonizado con sus cosas hasta un grado casi femenino. Junto a la ventana está su querida colección de conchas, de la cual Ray Eames tomó muchos primeros planos. Sobre la cama está su bata de baño, una piscina de seda color ciruela. Harrison abre un cajón en una mesita de noche. Aquí están las píldoras de Krasner, un kit de costura, algunas tiritas de maíz. Además, un paquete de cigarrillos. “En realidad, esos pertenecían a [el actor] Ed Harris”, dice ella, con una sonrisa. “Dormía aquí cuando investigaba para la película”. (Harris interpretó a Pollock en una película biográfica de 2000 , una actuación por la que fue nominado para un Oscar). Sin embargo, más importante que cualquier parte de la casa es el granero. Poco después de que vinieron aquí, Pollock trasladó este edificio, que impedía su vista, a un lado de su casa. Instalado en su interior, se dedicó a hacer sus fotos de “goteo”, las pinturas que en 1949 causaron que la revista Life preguntara a sus lectores si podría ser el mejor artista vivo de los EE . UU .

Después de su muerte, Krasner trabajó durante la primera explosión de dolor, recogiendo su pincel nuevamente solo dos semanas después de su funeral, y en el verano de 1957 se hizo cargo de su estudio, abandonando la pequeña habitación donde había trabajado anteriormente. “No tenía sentido dejarlo vacío”, explicó. Era espacioso y tenía la mejor luz natural. Más importante aún para su tranquilidad, el piso original del granero en el que había trabajado su esposo, densamente estampado con aerosoles de pintura, había estado cubierto con tablas de masonita desde 1953 (después de este acto de borrado, Pollock, perturbado por su fama y bebiendo en exceso , nunca había pintado realmente otra vez).

En estos días el piso está descubierto, las salpicaduras de Pollock una vez más reveladas en toda su gloria dinámica. Pero de cualquier otra manera, el estudio es exactamente como era cuando Krasner se hizo cargo: el comienzo de lo que sería un período altamente productivo para ella. “Es alucinante”, dice Harrison. “Inmediatamente ella hace este maravilloso, colorido y alegre trabajo. Pintar era su antídoto contra el dolor “.

En algunos estantes hay pigmentos en polvo que quedan del proyecto de arte federal, un programa instituido por el gobierno de Roosevelt para el empleo de artistas durante la guerra como parte del New Deal, para el que trabajaron Krasner y Pollock. En una serie de latas están las tiras de vidrio de colores que ella usaba para hacer mosaicos. Fue en las paredes de este estudio donde Krasner clavó los enormes lienzos que se conocerían como sus “Viajes Nocturnos”, las piezas más grandes que jamás había producido. Hacer estas fotos, que tienen títulos dramáticos ( Estampida polar ; Asalto al plexo solar ), involucró todo su cuerpo, ya que tuvo que saltar del suelo con un cepillo de mango largo para llegar a sus rincones más lejanos. Era casi como si se hubiera desdoblado. De ahora en adelante, ella podría trabajar en una escala sin precedentes.

Estampida polar, 1960.
Polar Stampede, 1960, una de una serie de pinturas que hizo por la noche durante episodios de insomnio y que su amigo, el poeta Richard Howard, la llamó “Viajes nocturnos”. Fotografía: El Museo Judío

¿Harrison conoció a Krasner? “Si. Primero, cuando escribía sobre arte en Long Island para el New York Times , más tarde cuando me convertí en la curadora de nuestro museo local, el Guild Hall ”. ¿Cómo era ella? “Tenía fama de ser baja. Cuando comencé en Guild Hall, me dijeron que la Sra. Pollock estaba en la línea, y cuando levanté el teléfono, antes de que pudiera decir ‘Hola, Lee’, comenzó un alboroto. “Acabo de recibir una invitación tuya”, dijo. Y dice la señora Jackson Poll-ACK. ¡Bien, merezco algo mejor que esto! Ella siguió y siguió.

Krasner, dice Harrison, era de piel delgada en algunos momentos y tenía una piel como un rinoceronte en otros. Pero si ella era dura, era porque tenía que serlo: “Había tenido que soportar toda esta mierda de los críticos, los traficantes y todo lo demás”.

Harrison me lleva al cementerio de Green River, el lugar algo estrellado donde está enterrado Krasner (Elaine de Kooning, Frank O’Hara, Jean Stafford y Harold Rosenberg también se encuentran aquí). Su lápida, como la de Pollock, está hecha de una roca de granito rugosa, sin pretensiones e intransigente, aunque más pequeña. Te hace pensar, nuevamente, sobre su relación. ¿La mantuvo baja, su marido de leyenda borracho? ¿O era de ellos esa cosa rara, una asociación creativa completa, aunque decididamente ignorada por los críticos (masculinos) de su época? ¿Por qué, incluso ahora, ella sigue siendo mucho menos famosa que él?

Krasner nació en Nueva York en 1908, hija de judíos rusos de habla yiddish que habían huido de su shtetl fuera de Odessa (su padre tenía un puesto de frutas y verduras). Se llamaba Lena Krassner, pero en 1922 adoptó la “Lenore” más estadounidense, y más tarde se convertiría en la andrógina “Lee”; ella también, en algún momento, dejó caer la segunda “s” de su apellido. No era algo inusual que hiciera alguien de una familia inmigrante, pero también era una pieza con su gusto por la reinvención, su sensación de que tenía una vocación y seguiría su propio camino independientemente de lo que pensaran sus padres. Cuando era adolescente, estaba decidida a asistir a la única escuela pública que ofrecía un curso de arte para niñas (ingresó a Washington Irving High en su segundo intento, e hizo un viaje diario de ida y vuelta de dos horas entre Manhattan y Brooklyn), y después de eso Disfruté de una educación artística extraordinariamente completa. “Ningún estadounidense podría haber tenido una mejor en los años 30”, según el crítico Robert Hughes.

Una formación académica en la Art Students League en Nueva York fue seguida por la experiencia práctica en los murales de la Administración de Progreso de Obras en los años 30 (otra parte del New Deal de Roosevelt) y, finalmente, tres años bajo Hans Hofmann, un maestro famoso que había conocido Matisse, Mondrian y Kandinsky.

Los padres de Krasner, dijo más tarde, “no me animaron, pero mientras no les presentara ningún problema en particular, tampoco interfirieron”, aunque hubo una controversia familiar en la que ella estuvo involucrada. En 1928, su hermana mayor, Rose, murió repentinamente; Según la costumbre, se le pidió que se casara con el viudo de Rose. Krasner se negó y la responsabilidad recayó en su hermana menor, Ruth. Después de eso, las dos mujeres tuvieron una relación difícil.

A fines de la década de 1920, Krasner se enamoró de un artista emigrante ruso, Igor Pantuhoff; para 1935, compartían un departamento en el East Village. En 1940, sin embargo, le escribió desde Florida, donde se hospedaba con sus padres, para decirle que no regresaría. Estaba devastada, pero no detuvo su trabajo, nada lo hizo, incluso si estaba luchando bajo la influencia de Hofmann y su estilo cubista, y luego se refirió al trabajo que produjo durante este período como sus “pinturas de losas grises”. .

Lee Krasner y Jackson Pollock fotografiados en su jardín Springs por Wilfred Zogbaum, c. 1949
Con Jackson Pollock en Springs, Isla de Londres, 1949. Fotografía: Wilfred Zogbaum

Pero luego vino un rayo. La obra de un artista llamado Jackson Pollock había sido exhibida junto a la suya (así como lienzos de Braque y De Kooning, a quienes más tarde presentó a Pollock). Muy preocupada por eso, pasó por su apartamento, esperando conocer a este hombre que parecía, como diría De Kooning más tarde, como “un tipo que trabaja en una estación de servicio bombeando gas”. Las cosas se movieron rápidamente. “Cuando vi sus pinturas, casi me muero”, dijo en 1958. “Me dejaron boquiabierto. Luego lo conocí, y eso fue todo.

Krasner creía en el genio de Pollock, una convicción que nunca flaqueaba. Ella sabía de su forma de beber, aunque no, tal vez, de la violencia autodestructiva que a veces le provocaba; un amigo más tarde diría que vivir con él era como vivir con un barril de pólvora (antes del accidente que mató a Pollock, corrió más de un automóvil fuera de la carretera; hacia el final, preocupado y frustrado, a menudo enfurecía a Krasner ) Ella quería cuidarlo, ayudarlo a encontrar el espacio que necesitaba para trabajar. Lo único que realmente lo rechazó fue el hijo que él pretendía anhelar (más tarde dijo que pensaba en él como el hijo de su familia, y en cualquier caso, “se casó con él para convertirse en artista, no en madre”) . Pero eso no quiere decir que sus demandas borraron sus necesidades o su ambición. Nunca lo hicieron, sobre todo porque él también creía en ella. (Cuando visitó su estudio de la calle Novena por primera vez, su respuesta a su trabajo fue, ella se sintió comprensiva).

“Las historias a su alrededor son estridentes”, dice Eleanor Nairne. “Pero esos dramas han tendido a eclipsar una relación notable. Si había una deferencia allí, era mutua. Por ejemplo, solo visitarían los estudios de los demás por invitación. Desde el principio, estaba decidido a no armar una interpretación directa y feminista y revisionista de su carrera, porque no se trataba de que él dejara de trabajar. Él fue quien dejó de trabajar, no ella ”. En 1955, cuando Pollock estaba cayendo cada vez más en su abismo alcohólico, su esposa se consoló con los collages que estaba haciendo: imágenes, hechas de fragmentos de su propio trabajo descartado, que mucha gente siente que se encuentra entre sus mayores logros. Mientras tanto, incapaz de pintar y cada vez más desesperado por eso, Pollock se rompió el tobillo mientras luchaba con el pintor Sheridan Lord en el piso de su sala de estar. Krasner, además, sintió que, en algunos aspectos, ser ignorado por los críticos y las galerías, si no por su esposo, era una bendición. Le dio cierta libertad. “No estoy seguro de que debamos aplicar nuestras propias expectativas a su carrera de forma retrospectiva”, dice Nairne. “Eso puede darnos una lectura, particularmente en términos de la forma en que vemos la domesticidad de la década de 1950, es decir, en su caso, no es muy precisa”.

Mesa de mosaico, 1947
Mosaic Table, 1947. El frío invierno en Long Island, donde ahora vivían Krasner y Pollock, la obligó a trabajar en la planta baja junto a la estufa, donde hizo dos mesas de mosaico de colores brillantes con ruedas de carreta que encontró en el granero. Fotografía: © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York.

A medida que pasaban los años, se harían esfuerzos para colocar la carrera de Krasner en el centro del escenario. En 1965, la Whitechapel Gallery de Londres realizó una retrospectiva; Hubo un espectáculo en el Whitney de Nueva York en 1975 y (después de su muerte) una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1984 . Pero aún así, ella sigue siendo muy poco conocida. ¿Por qué? No solo tiene que ver con las vicisitudes de su vida con Pollock, y la forma en que se han exagerado, incluso caricaturizado, en libros y películas. En parte, ella era solo otra víctima de los tiempos.

Las artistas femeninas de las décadas de 1940 y 1950 estaban, como Robert Hughes señaló una vez, atrapadas en una especie de apartheid cultural, los “supuestos dominantes sobre la debilidad inherente y la tonta feminidad de las mujeres pintores casi increíblemente falocéntricas”. Pero también estaba, según su biógrafo Gail Levin, atrapada en la brecha entre dos generaciones de pintores: “Fue ignorada en términos de la primera generación de expresionistas abstractos [masculinos], con demasiada frecuencia, era solo la señora Pollock, pero porque ella era un poco mayor que ellos, ni recibió la misma atención que la próxima generación, que fueron festejados como estas pintorescas mujeres glamorosas: Helen Frankenthaler, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Joan Mitchell “.

Más tarde, Krasner comprendería que era beneficiaria de los esfuerzos de las historiadoras del arte feminista como Linda Nochlin, que estaban decididas a expandir el canon; en 1972, incluso se unió a un piquete fuera del Museo de Arte Moderno que protestaba por el abandono de las artistas femeninas. pero, como muchas mujeres de su edad, no se consideraba feminista y era reacia incluso a considerarse una artista femenina. “Ella no tenía ningún interés en la idea del arte feminista”, dice Levin, con una sonrisa. “¡Judy Chicago [a quien le gustaba, entre otras cosas, incorporar la vulva en su trabajo] no habría significado nada para ella!”

Otro problema deriva del trabajo. Mientras que los pintores masculinos de su generación (De Kooning, Rothko, Motherwell) desarrollaron estilos distintivos altamente reconocibles, Krasner trabajó en ciclos, solo para luego pasar a algo completamente nuevo. “Ella tenía muchas ideas”, dice Levin, casi con asombro. Nairne está de acuerdo: “Ella creía que el arte era una expresión del ser interior. Tener una imagen de firma sería sugerir que no hubo contingencia en la vida “.

Palingenesis, 1971
Palingenesis, 1971. Cuando Krasner mostró 12 nuevas pinturas en la Galería Marlborough de Nueva York, el crítico Robert Hughes describió este rosa como golpear “con fuerza en el globo ocular a 50 pasos”. Fotografía: © The Pollock-Krasner Foundation, cortesía de Kasmin Gallery, Nueva York.

También fue una editora despiadada de su trabajo. “No hay mucho de ella cerca”, dice el sobrino de Krasner, Jason McCoy, quien, como comerciante de arte, comprende el mercado y la forma en que se construye la reputación. “Hay suficientes pinturas para establecer su control y su poder y su visión, pero no lo suficiente como para ser, por así decirlo, una banda. Una gran parte de la reputación tiene que ver con el tamaño del cuerpo de trabajo, y el de ella es relativamente pequeño ”.

McCoy y yo hablamos en su galería del centro de la ciudad en una tarde gris de Nueva York. Sus recuerdos de su tía, con la que estaba cerca, no aparecían antes que yo como películas caseras. Tenía ocho años cuando Pollock, el hermano de su padre, murió, por lo que conocía mejor a Lee como viuda: cuando era un adolescente, era uno de los que llamaba regularmente para quedarse con ella en Springs (odiaba ser solo de noche). “Ella me encontró … útil”, dice. “Pero a ella también le gusto”. ¿Cómo era la vida allí? “Era una vida sofisticada de la que no había sabido nada cuando era niña cuando crecía en un pueblo pequeño, y fue muy halagador porque no distinguió entre una joven de 16 años y una de 36”.

Krasner fue, dice, extremadamente directo y a veces un poco aterrador: “No sufrió tontas. Su rapidez fue suficiente para ponerlo nervioso. Pero la amaba por completo. La forma en que ella dijo: “¡Maravilloso!” Recuerdo una vez, cuando ella y Jackson estaban en nuestra casa, y algo surgió acerca de la cena, y Lee dijo ‘filete de lenguado’ – ¡y lo que ella quiso decir fue platija!

“Ella fue una auténtica invención propia. Ella tenía tal estilo. Ella tuvo cuidado con la presentación de ciertas maneras. No le importaban los diamantes, pero tenía hermosas perlas, solo una cuerda. Un bolso negro de Gucci con asas de bambú. Bombas Ferragamo. Podía recuperarse e ir a cualquier parte con su sable sable. Tenía lo que necesitaba, no más. Todo en casa era muy simple. Ahora puedo verla, cortando eneldo, colocando tomates en el alféizar de la ventana hasta que estén perfectamente maduros.

Abrazo, 1956
Abrazo, 1956. Después del funeral de Pollock, Krasner comenzó a trabajar casi de inmediato en una serie de paisajes violentamente eróticos en tonos de gris, negro y rosa. “Pintar no está separado de la vida”, dijo, cuando se le preguntó cómo había logrado pintar en medio del dolor. ‘Es uno. Es como preguntar: ¿quiero vivir? Mi respuesta es sí, y pinto. Fotografía: © The Pollock-Krasner Foundation. Fotografía de Christopher Stach.
 

¿Qué hay de su arte? ¿Lo discutieron? “Ella me invitó al estudio. Uno no solo fue allí. Uno esperaba una invitación. Pero ella no habló de su pintura. Lo más distintivo para ella era la pregunta: ¿funciona? Esa era la gran forma en que ella pensaba. Ella no estaba insegura al respecto. Ella no estaba pidiendo mi opinión. Se preguntaba a sí misma.

“Tenía una convicción muy fuerte sobre sí misma como pintora. Ella vio su propio valor. Se veía a sí misma igual a los hombres. No tenía la atención que Pollock tenía, pero se había acostumbrado a eso. Lee sabía todo acerca de las marcas: era la señora Pollock, y a veces se aprovechaba de ella. Pero ella también tenía un gran sentimiento por él como pintor. No era una persona fácil, pero ella nunca lo menospreció, y él tampoco la menospreció. La atracción más poderosa entre ellos fue su reconocimiento intelectual el uno del otro “.

McCoy desprecia la mitología que ha crecido alrededor de su tía y tío. “Esa pelicula. El sturm und drang. Marcia Gay Harden de todas las personas [Harden protagonizó junto a Ed Harris como Krasner, una actuación por la que ganó un Oscar]. Quiero decir, sé real. Bette Midler hubiera sido mejor, o Barbra Streisand.

McCoy esperaba que su tía llegara a la retrospectiva de 1984 en el MoMA, un espectáculo que tanto había deseado, pero para entonces estaba usando una silla de ruedas y con mucho dolor, sufría de artritis, y después de verlo en Texas , a la que viajó en ruta a Nueva York, llegó a casa y se fue a la cama, y ​​eso fue todo. Ella murió en junio, y en el mismo mes su servicio conmemorativo se celebró en el Museo Metropolitano de Arte; entre los que hablaron se encontraban Robert Hughes, Susan Sontag y su amigo el dramaturgo Edward Albee (Krasner, dijo, siempre “exigió la calidad que le dio. Te miró directamente a los ojos y no te atreviste a estremecerte”). La exposición en el MoMA se inauguró en diciembre. “Ese espectáculo fue maravilloso”, dice McCoy. “Pero incluso entonces, no fue reconocida, no el tipo de reconocimiento que proviene de los registros de la subasta. Las cosas no se vendían por millones de dólares. Recuerdo estar muy feliz cuando uno de sus collages se vendió por $ 4 millones “.

Este mes, el lienzo elemental de Krasner de 1960, El ojo es el primer círculo , una de las “pinturas sombrías” realizadas en los años inmediatamente posteriores a la muerte de Pollock, y una de esas obras que seguramente la elevaron al primer rango del expresionismo abstracto, será ser subastado en Sotheby’s. Si alcanza su estimación de $ 10m- $ 15m, establecerá un nuevo récord de venta para su trabajo. ¿Esto importa? Lo hace si crees que es injusto que los hombres continúen dominando el mercado; ese valor es, nos guste o no, medido en números. (Aunque el trabajo de Pollock todavía puede ordenar muchas veces esta cifra: en 2015, el magnate de la música David Geffen vendió el número 17A , una pintura de goteo de 1948, por $ 200 millones). Pero de otra manera, no importa en absoluto: como seguramente descubrirán los visitantes de la Barbacana, donde se espera que esta asombrosa pintura se exhiba independientemente del resultado de la subasta.

Krasner encontró, en este período de su carrera, un lenguaje propio. Aquí está el vacío interior que su marido famoso exteriorizó, turbulento con el estrés y la tensión; El mundo salpicado que ella conocía estaba literalmente escondido bajo sus pies mientras estaba parada en una escalera en lo que había sido su estudio. Excepto que en su interpretación, el aceite aplicado con un pincel en lugar de arrojado o goteado, el caos y el control se mantienen milagrosamente en equilibrio. En tonos marrones y blancos, esta monumental pintura recuerda un río en toda su extensión y, sin embargo, también representa el silencio después de la tormenta, lo que Krasner pensó como la llegada de la luz.

Lee Krasner: Living Color está en Barbican, Londres EC2, del 30 de mayo al 1 de septiembre. El libro adjunto, Lee Krasner: Living Color , editado por Eleanor Nairne, es publicado por Thames & Hudson el 30 de mayo (£ 35). Para pedir una copia, vaya a guardianbookshop.com o llame al 0330 333 6846 P&P gratis en el Reino Unido por más de £ 15, solo pedidos en línea. Pedidos telefónicos min p & p de £ 1.99

Lee Krasner: Una biografía de Gail Levin es publicada en edición de bolsillo por Thames & Hudson en mayo (£ 12.99)